Les Rencontres d’Arles. Par Valérie Hersleven
publié sur le site http://www.valeriehersleven.com/news.php?idnews=17

Arles et les Rencontres de la photo. Un rendez-vous annuel à ne pas rater.

J’y suis allée mais je suis rentrée un peu confuse car j’ai trouvé peu d’unité et peu de séduction photographique entre les expositions. Il y avait beaucoup de discours comme le voulait Raymond Depardon. J’ai envie de vous parler de ces expositions qui m’ont touchées : «la photographie Américaine à travers les collections Françaises», et puis les trois photographes, David Goldblat, Clark&Pougnaud et Elene Usdin.

«La photographie Américaine à travers les collections Françaises», est une collection de qualité. L’accrochage est classique mais ce fut un réel plaisir de découvrir chaque image. Les artistes qui m’ont le plus touché sont :

Tout d’abord Walker Evans, ce grand photographe de reportage. Des images cruelles et tendres à la fois, des images qui témoignent de la dureté de vie du Sud des Etats Unis au début du siècle précédent. Une de mes préférées est Hale County, Alabama 1936. Cette femme se mordille-t-elle le bas de sa lèvre ou est-ce un sourire timide ?
Le deuxième photographe est l’incontournable, Ansel Adams. Ces paysage sont époustouflants grâce à son dégradé de tons dans les gris trouvé avec une nuance dans les lumières et les ombres.

J’ai aussi été impressionnée par Diane Arbus pour qui le sujet de la photo, prime sur la photo elle-même. Des images troublantes et obsédantes ; une réalité qui nous frappe au premier regard. Diane, issue d’une famille de riches fourreurs juifs new-yorkais se lança d’abord dans la photo de mode avec son mari. Mais était-ce une coïncidence pour Diane de quitter ce faux monde avec ses façades bien pensantes et élégantes pour de se donner corps et âme à la photographie des gens hors normes : aveugles, monstres de foires, travestis, nudistes, jumeaux, malades mentaux ? Certains de ses sujets n’ont aucune idée de ce qu’ils font ni de comment ils sont perçus…pas de façade. Plus de vérité ?

Le travail de John Sternfeld m’a accroché. Il travaille principalement au grand format, jusqu’au 20x25 ce qui donne des images parfaitement léchées. Le grand format permet de fournir un chaos d’informations tout en quiétude. Sternfeld essaye de saisir la complexité de l’homme et son contexte social et finalement on ressent une grande solitude.

Les deux derniers photographes dont je veux vous parler, sont Richard Misrach, dont les paysages nous apprennent comment l’homme et la nature vivent ensemble et finalement, William Eggleston, le poète qui a tout photographié, tout ce qui est ordinaire en Amérique. Il sait toujours donner à ses photos un point de vue inhabituel et en couleurs.

Clark&Pougnaud, c’est un des grands prix HSBC cette année. Un très beau travail de composition et de construction d’histoires. Une histoire de peinture et de photos, on bascule d’un univers à l’autre, on ne sait pas très bien comment entrer dans l’image et on oscille entre réalité et illusion mais toujours parfaitement équilibré. Leurs images sont nourries par Hopper, les bourgeoises d’Angoulême, les contes de fées et le cirque. Leur travail me touche.

Elene Usdin a gagné le prix de la jeune photo de mode de Picto en 2006. Encore un travail entre peinture et photo, non pas dans sa conception comme avec Clark&Pougnaud mais par le parcours d’Elene. Débutante dans le monde de la photo, on sent un réticence technique, une méconnaissance et une naîveté avec la lumière. Par contre la mise en scène et la créativité sont telles que cela devrait suivre, car l’essentiel y est. Bravo Elene.

David Goldblatt est le photographe de documentaire le plus connu d’Afrique du Sud. Son très beau travail est un statement politique qui retrace l’Apartheid. Dur mais incontournable, donc efficace.

Et puis des images surprenantes comme «follow me» de Wang Qingsong et ces nus en couleurs de Carla van de Puttelaar qui se rapprochent étrangement à du noir/blanc. Et Alessandra Sanguinetti qui saisit ces moments d’intimité de deux jeunes filles. La photographe donne tellement de l’espace à ces jeunes filles qu’elles en oublient le photographe et se laissent aller à leurs rêves, leurs fantasmes et leurs jeux. Marion Poussier observe des adolescents en mutation. Le travail présenté est social et nous ramène à nos souvenirs. Quand l’invention des histoires et les conte de fées des grands jouent un si grand rôle pour nous.

http://www.rencontres-arles.com/

par Judith Benhamou-Huet paru le 10/11/06. © Les Echos.

Que cherchent les collectionneurs de photographies ? Si on en croit le record de prix réalisé en février dernier à New York, ils aiment les tirages qui ressemblent à des tableaux et qui sont signés d'un grand nom américain. La somme colossale de 2,4 millions d'euros a en effet été investie par un inconnu dans un petit cliché, " Le Pont à la lumière de la lune ", réalisé par le photographe Edward Steichen en 1904. Il a retravaillé l'oeuvre comme une peinture symboliste toute en ombres et en mystères, à l'aide de pigments. Jusque-là, jamais un tel montant n'avait été déboursé pour une photographie. A Paris aussi, on peut admirer - faute d'acquérir - une image célèbre de Steichen. Pendant le Salon Paris Photo, qui se tient du 16 au 19 novembre, la galerie parisienne 1900-2000 montre certainement un des tirages les plus chers de la manifestation : autour de 500.000 euros. Là encore daté de 1904, il représente une femme nue, plantureuse à la Rubens, posant de face sensuellement, dans un savant clair-obscur. " In memoriam ", c'est son nom, est une des icônes de la photographie du XXe siècle. D'ailleurs, en 1999, le Musée d'Orsay n'a pas hésité à payer à Londres 343.500 euros pour obtenir un autre tirage de la même image. Celui de Paris Photo appartenait au peintre futuriste italien Gino Severini qui l'avait conservé dans son atelier.

Mais, bien heureusement, le Salon entièrement consacré à la photographie n'abrite pas seulement des chefs-d'oeuvre signés de stars de la discipline. Cette année, on y trouve par exemple, pour la première fois, un exposant, Philippe Jacquier, qui se consacre entièrement à la photo anonyme. Sa galerie, située à Montreuil et qui attire nombre d'initiés pour chaque exposition, porte le nom poétique de " La Lumière des Roses ". La démarche originale de Philippe Jacquier s'inscrit bien dans l'air du temps : sélectionner des images relativement anciennes pour ce qu'elles incarnent, alors qu'elles ont souvent été réalisées par des amateurs. Lui parle d'" aura " de ces images. Il en expose une quarantaine sur un petit stand de Paris Photo qui représentent, dit-il, un an de recherche. On y voit, par exemple, la grâce de jeunes femmes des années 1920 ou 1930 posant, euphoriques, sur une plage ou encore une demoiselle en habits du dimanche face à un miroir déformant, dans une fête foraine. Les clichés sont à vendre entre 500 et plusieurs milliers d'euros. Des cotes difficiles à fixer puisque, d'une certaine manière, c'est son " oeil " que vend le marchand. Il réalise un travail de " chine ", de sélection dans les vide-greniers et autres marchés aux puces à travers le monde.

Au même moment, un des grands spécialistes français de la photographie, Michel Frizot, directeur de recherche au CNRS, publie chez Phaidon " Photo trouvée ", un recueil d'images anonymes, sélectionnées dans l'esprit qui anime aussi Philippe Jacquier (1). Il introduit sa sélection en écrivant : " Il se prend plus de 1 milliard de nouvelles photos chaque semaine. Et, depuis plus d'un siècle, les clichés d'amateurs s'entassent dans des tiroirs, échouent dans des poubelles ou s'accumulent dans les cartons des marchés aux puces. En mettant les mains dans ces cartons, nous avons recueilli ce trop-plein d'images que l'humanité déverse avec indifférence. "

En fait, si l'on se pose la question de la demande en matière de photographies, on comprend rapidement qu'il n'existe pas un, mais des marchés de la photographie, tous arrivés aujourd'hui à l'âge adulte, après une période d'effervescence et d'excès.

Paris Photo est globalement le reflet du large éventail de l'offre. C'est aussi la seule manifestation réellement internationale à prendre place en France. En effet, sur les 106 exposants du Carrousel du Louvre, 73 % sont étrangers et Paris Photo abrite plus de marchands américains que français. On y trouve donc des images du début de la photographie mais aussi des images classiques du XXe siècle, des tirages de l'après-guerre et encore des travaux contemporains récents, moins représentatifs cependant.

Bernard Utudjian de la galerie parisienne Polaris a sélectionné une production de photos contemporaines pour le Salon. " Depuis quelque temps, les collectionneurs comme les professionnels ont arrêté de dire qu'il y avait un boom sur la photographie. C'est bien. Maintenant, les prix existent dans le contexte de ceux pratiqués dans l'art contemporain en général. "

Rétrospective Lee Friedlander
Il montre, entre autres, le travail d'Yto Barrada, jeune photographe née en 1971, qui vit entre Tanger, Paris et New York. Elle fait partie des noms demandés sur la scène photographique internationale alors qu'elle était encore quasi inconnue il y a cinq ans. Elle a participé en quelques mois à une masse d'expositions de Paris, à l'hôtel de Sully, jusqu'à Rotterdam ou Tokyo. Le Kunstmuseum de Vienne vient aussi d'acheter 14 tirages de l'artiste. Elle pose son objectif sur des attitudes humaines ou des paysages qui expriment solitude, abandon et exil. En 2003, ses images se vendaient pour 2.600 euros. Aujourd'hui, ses grands tirages couleurs (à partir de 60 × 60 cm) en 5 exemplaires sont présentés par Polaris entre 4.300 et 7.000 euros, selon le format.

Paris Photo prend cette année place dans le cadre de la manifestation biennale du Mois de la photo (cf. la sélection dans " Les Echos week-end " du 3 novembre) qui transforme la capitale française en épicentre de la discipline et attire ainsi spécialistes et collectionneurs du monde entier. Parmi l'offre pléthorique de la programmation, il y a l'exposition rétrospective consacrée au Jeu de Paume à un talent américain devenu une référence depuis les années 1960, Lee Friedlander (2). Dans la grande tradition américaine, le photographe capte, principalement en noir et blanc, des images de l'ordinaire de la ville et de ses petites facéties involontaires. Des photos animées d'un certain esprit, défendues depuis plus de quinze ans à New York par Janet Borden. Elle fait le voyage à Paris Photo avec un stand entièrement consacré à Friedlander avec 35 tirages des cinquante dernières années. Comme elle l'explique, " Friedlander est un peu " old school " ". Autrement dit, aucun de ses tirages n'est numéroté et, si une image plaît, il peut la retirer à la demande. De ce fait, les clichés les plus fameux sont souvent aussi les moins rares. La différence en termes de prix se fait justement selon la date du tirage. Plus il est ancien plus il est élevé. C'est le qualificatif de " vintage " - une image contemporaine de la prise de vue - qui fait monter la cote. Sur le stand de Janet Borden, " New York City ", image chaotique de la ville effervescente, un tirage vintage de 1974 est à vendre pour 30.000 dollars mais un nu sensuel à la prise de vue frontale daté de 1979, tiré postérieurement, peut être acquis pour 4.200 dollars.

C'est là toute la différence entre la photographie conçue comme un véritable objet et la photo simplement ressentie comme une image forte.

The latest status investment is showing signs of a bubble.

Art fairs like in Madrid, above, fan excitement about contemporary art and expand its market.
(Philippe Desmazes/Agence France-Presse )

By Sharon Reier | January 26, 2007|

When Marta Guitart, an art teacher, lived in her native Spain seven years ago, she brushed up on the latest trends in contemporary art by attending art fairs like ARCO in Madrid and Documenta in Essen, Germany.

But she didn't catch the collecting bug until December, when she visited Art Basel Miami Beach, a five-year-old art fair that mixes celebrities, high rollers, avant-garde works and late-night partying.

After Guitart returned to her home in New York, she realized she had developed the desire to own fine art, and regretted not having purchased a print by William Kentridge, a South African artist whose works deal with exploitation and colonialism.

European fairs, Guitart said, are "very casual, very businesslike — even a bit boring and stodgy." In Miami, by contrast, "you could definitely feel the party ambiance," she said. "There was an atmosphere of excitement and everyone wants to own something and bring home a little bit of that experience."

Contemporary art is not for everyone. But fanning the excitement that it generates and expanding the market is not difficult these days. As contemporary art prices leap from peak to peak, reflecting the sector's position as status symbol du jour for hedge fund managers, newly minted Russian and Indian billionaires and other masters of the financial universe, others are eager to spend tens of thousands for a chance to rub shoulders with the wildly rich and to get in on a booming market.

As of last summer, the segment of the Moses Mei Fine Art index that measures the performance of U.S. postwar and contemporary art rose 55 percent on an annualized basis for 2006, and by all indications from strong auction house sales in the second half of 2006, will remain strong when the update is published in February.

"Postwar and contemporary art are hot, hot, hot," said Moses, a professor at the New York University Stern School of Business, who first produced the index with a colleague, Jianping Mei, in 2001.

The market for these two categories of art, Moses added, "is getting close to too hot to touch."

By that, Moses means that it may be approaching a bubble situation. Moses lectured on art as an investment asset at Art Basel Miami Beach. The subject will also be on the agenda at the Gulf Art Fair that will be inaugurated in March in Dubai, where Sotheby's is scheduled to sponsor a multiday educational seminar on the development of contemporary art and the benefits of art in a portfolio. The Dubai organizers hope to attract Indian, Russian and European collectors who want to take advantage the low tax regime in Dubai and low European value-added taxes on works imported from outside the EU.

"There are three beauties in some sense in art," Moses said. "The beauty of the object; the joy of collecting and meeting with people and talking with people and the excitement of the hunt; and there is the diversification potential of art in a portfolio."

Owning provocative art confers a sort of social distinction. "If you own a piece of art work that is inscrutable to other people, it is a signal to them that you have sophisticated concerns about other things" besides money, said William Goetzmann, a Yale professor with his own art index.

No one described the social place of art ownership better than the author and satirist Tom Wolfe in "The Painted Word," his 1975 book. "Avant-garde art, more than any other, takes the Mammon and the Moloch out of money, puts Levi's turtlenecks, mutton chops, and other mantles and laurels of Bohemian grace upon it," Wolfe wrote.

But if great art transcends commerce, auction houses, art advisers at private banks and a new breed of independent art consultants — who do everything from locate and authenticate art works to explain the meaning and context of particular works to novice collectors — are increasingly employing financially oriented perspectives. There is increasing interest in art as an investment class: how it behaves compared with financial assets, and what qualities in a work of art are likely to make an emerging artist stand the test of time — and justify five-figure prices.

"There are certain criteria," said Noel Le Gall, a former gallery owner and contemporary art collector in France. "The auction houses who sell contemporary art say they can evaluate the names coming into the market — typically artists under 35 — by saying, 'He has six out of ten.'"

Among those criteria, Le Gall said, are that the artist must be in a good gallery — "good" in this context meaning one that has the recognition of Sotheby's and Christie's, the Macy's and Gimbels of international auction houses. The artist's work should have been reviewed by an art critic, particularly museum critics, and purchased by two known and respected private collectors, preferably with one in Europe, like Charles Saatchi, who once led an advertising empire and is now viewed as the top collector of contemporary art in Britain.

It is also a good sign if the artist's work has been shown in the Venice Biennale, one of the premier exhibitions, or if the artist is considered to be part of a community — the black community, the gay community, the Jewish community — which can ensure a strong market.

But some veterans of the art world are quick to dismiss such checklists.

"They are used for reassurance," said Martin Guesnet, associate director of contemporary art at the Paris auction house Artcurial. "There have been 10,000 works of art shown at the Biennale"— the implication being that not all of them can attain lasting value. In fact, as a rule of thumb, nine of 10 works bought by collectors are eventually consigned to the aesthetic dust bin.

And as the sale price rises, so does the penalty if the art work does not hold its value. "You can't know if the $30,000, $40,000 or $100,000 you are paying will be worth 10 times more 10 years from now," Guesnet said. Works by some contemporary artists like Julian Schnabel, who was acclaimed as a darling of the art world in the 1980s boom, are selling in the range of $150,000 to $200,000 a painting — about the same prices they fetched nearly 20 years ago.

By contrast, as the contemporary art sector booms, paintings by Andy Warhol — once thought to be an evanescent fad — are selling for Picasso-like prices. Late Picassos, which Guesnet said were hard to sell five years ago, are fetching handsome sums. And the work by minimalists like Donald Judd, Carl Andre and Sol Lewitt have multiplied in price over the past decade.

Unsurprisingly, there is increasing worry that there is a bubble ready to pop. And that is where the art indexes may provide some guidance.

Goetzmann said his art market index performance generally lagged behind financial markets by about a year and, in the long run, outperformed the bond market but not stocks. By his measure, Goetzmann does not see the art market as ready to deflate, in part because the financial markets are still doing well.

Moses at NYU arrives at the same conclusion, but for different reasons.

"My definition of a bubble is if the market has been growing by 30 percent a year for the last five years," he said. By that definition, the Standard & Poor's 500-stock index was a bubble between 1995 and 2000; the Nikkei 225-stock index and the Moses Mei Fine Art Index experienced their bubble years between 1985 and 1990. Both periods were followed by steep drops in prices.

And today? The art index, Moses said, is growing below 30 percent in all collecting categories. "But I think we are getting close to it. We will have growth rates in the 20s compounded over five years. I am not sure at this instant it is too hot to handle, but it is getting there."

Moses believes that art has a place in an investment portfolio because it is noncorrelated with financial markets, and therefore constitutes an alternative asset which mitigates risk.

Experts with their feet on the ground in the art world are similarly skeptical that the contemporary art may soon implode, even though prices are starting to look unsustainable. As Guesnet put it, "There is huge money around."

Twenty years ago, he said, the market was dominated by U.S. and Japanese buyers. Today, the market is global, with new money from China, India and Russia joining the chase and, often, pushing up the prices of art from their countries.

Another difference is in the way art purchases are financed, Guesnet said. Twenty years ago, he said, many large purchases were made on credit: Van Gogh's "Irises" sold in the 1980s for a record $53.9 million including auction commission and was bought with the help of a bank loan and a $27 million loan from Sotheby's that was never repaid. All-cash purchases mean fewer forced sales if the market changes.

Also, the art market is more transparent than it once was. Whereas before collectors could compare prices only by attending auctions and reading expensive catalogues, today information is readily available online. "People can look at the prices," Guesnet said, and if a certain artist is commanding $1 million, "they see everyone is paying the same."

Finally, lifestyle marketing — the idea that you need certain accouterments to reflect your station in life — is alive and well in the art world today. "The marketing didn't exist 20 years ago," Guesnet said. "Now it is part of a community; part of the excitation. It is a very important element."

Copyright © 2007 The International Herald Tribune | www.iht.com

What sold at the first Gulf Art Fair? Gavin Turk’s prized rubbish bags or a gun-wielding terrorist Snoopy? David Rose reports

From The Times March 13, 2007

© Shezad Dawood - 6in high Snoopy doll dressed as a terrorist

Wealthy Emiratis in flowing robes, homesick expatriates and even visiting Premiership footballers were in buying mood at the inaugural Gulf Art Fair in Dubai. But despite a strong presence from international galleries, the heaviest spending was not on Western art but on Asian and Middle Eastern pieces.

Soaring oil prices and a construction boom mean that potential art investors (whether local sheikhs or hedge-fund managers) are plentiful in the Gulf, and at the beach-side fair 38 galleries from Delhi to New York were all eager to cash in, presenting works worth a total of $1 billion (£517 million) for sale in the first event of its kind in the Middle East.

The dollar sign was a conspicuous emblem throughout, whether embossed on a lurid silkscreen by Andy Warhol, contorted into a sculpture by Keith Haring or, more resonantly, forming a mould filled with crude oil by the Russian artist Andrei Molodkin.

Yet the fair’s organisers predict that Dubai’s wealth and location is well suited for culture as well as profits. They claim that the desert back-water-turned-commercial hub — although now best known for its hotels, golf courses and low taxes — could become “the most important centre for contemporary art in Asia, likely to rival London and New York within a decade”.

The boast befits a city with the audacity and wealth to build what is soon to be the world’s tallest building, the Burj Dubai tower, already 110 storeys and rising. But for all the Emirate’s aspirations to form a bridge between East and West, cultural tensions were apparent even before the fair’s opening.

Restrictions imposed on the exhibitors, including the White Cube and Albion galleries from London, meant that only art deemed suitable for exhibition in an Islamic state would be accepted. “We asked all galleries to make careful provision — that is, chiefly concerning nudity and religious imagery,” says John Martin, the fair’s director, who has established the project from nothing more than a beachside dream in less than two years. “Selling is the name of the game here, and in our first year there is a bit of a pioneer spirit, but already we hope next year to double in size.” The financial clout of the commercial art galleries causes a trickle-down effect to improving public institutions, Martin argues, and recent multimillion-pound sales of contemporary art by Christie’s and Sotheby’s in Dubai and its neighbour, Abu Dhabi, have been followed by plans for new showcases for the Louvre and Guggenheim collections in the region.

Buyers included Sol Campbell, the former England defender, who spent $60,000 (£31,000) on a photographic print of a forest by the Korean artist Bien-U-Bae while visiting the fair between training sessions at Portsmouth Football Club’s nearby camp.

Works such as Horse Mountain by Tim Flach, a close-up photograph of a stallion’s neck, were also particularly popular thanks to local interest in horse racing. But with only a handful of local galleries represented in the region and many visitors with no previous experience of negotiating such an event, experienced British, German and American dealers were bemoaning a lack of buzz.

Unlike in the current Moscow biennale, where the star billing of Damien Hirst, Tracey Emin and others has somewhat eclipsed local artists, the word in Dubai was that even those works by fashionable Westerners that were passed fit by the censor remained on the shelves, while those by their Arab peers, and Indian and Chinese artists, sold strongly among the Emirate’s 80 per cent expatriate population.

Graham Steele, sales executive at White Cube, said he had watched puzzled visitors carefully stepping over a sculpture of painted bronze rubbish bags by Gavin Turk, only to be confronted by a medicine cabinet by Hirst with a price tag of £825,000.

“Some visitors have become quite frustrated when trying to understand how such a thing can be worth thousands of pounds,” he said. “It has been quite an exciting challenge for us to have to explain the work and its context of art history.”

The Hoxton gallery was not alone in finding it hard to eke out a sale, highlighting a lack of understanding of modern Western art. Sotheby’s even ran an “education programme”, a series of talks at the fair aimed at introducing Arab buyers to the market. Whether this patronised local sheikhs was open to question.

But having secured a visit from Dubai’s ruler, Sheikh Mohammed bin Rashid Al Maktoum, and his ministers, Martin says: “It was disappointing to see the Culture Minister, who was fantastic in supporting the fair and is a great collector of Arabic calligraphy, only buying art of that kind, with many local buyers following suit.

“It’s like only supporting your own team in what could be a more interesting international competition.”

Indifference to Western culture verged into antipathy elsewhere in the fair, however. A solid gold knuckle-duster, designed by the London-based Pakistani artist Shezad Dawood, was encrusted with diamonds arranged to spell out “Nation of Islam” in Arabic. “Yes, it’s a bit edgy,” said Claudia Cellini, director of the Third Line gallery in Dubai. The work, she said, was bought by a local sheikh for nearly £9,000.

“He’s one of our fundamentalist clients,” her assistant joked, while standing next to another of Dawood’s works, a 6in high Snoopy doll dressed as a terrorist. Cellini corrects her: “He is, shall we say, conservative.” As a group of Emirati women in black burkas strolled past, eyeing with suspicion a nearby car decorated with Hirst’s trademark coloured spots, it was difficult to feel that the clash of civilisations had yet been overcome.

The Kursaal of Donostia-San Sebastián is holding the fourth International Contemporary Photography and Video Fair, DFOTO.

From May 3 to 6, the Fundación Centro Ordóñez-Falcón de Fotografía (COFF) organizes the 4th International Contemporary Photography and Video Fair, DFOTO, at the Kursaal Centre in the Basque town of Donostia-San Sebastian.

For this fourth edition, the Fair has selected "41 of the most relevant and emerging international galleries" which represent the work of the most interesting authors in the current Photography and Video panorama.

DFOTO has become a must for anyone interested in image art and culture, and converted Donostia-San Sebastian into a reference in the world of image, promoting and generating a favourable atmosphere for private, institutional and corporate collectors.

Although many galleries have shown an interest in participating in DFOTO, this year 41 national and international galleries will therefore attend the Fair on invitation from the organisation: Adhoc (Vigo), Clairefontaine (Luxembourg), Estiarte (Madrid), Estrany de la Mota (Barcelona), Juan Silió (Santander), Filomena Soares (Lisbon, Portugal), Flatland Gallery (Utrecht, Holland), Fúcares (Madrid - Almagro), Gilles Peyroulet & Cie (Paris, France), Gimpel Fils (London, the UK), Kamel Mennour (Paris, France), La Fábrica Galería (Madrid), Les Filles du Calvaire (Paris), Mai 36 (Zurich, Switzerland), Max Estrella (Madrid), Moisés Pérez de Albéniz (Pamplona), Nogueras Blanchard (Barcelona), Galerie Paul Fréches (Paris, France), Palma XII (Villafranca del Penedés, Barcelona) Pedro Oliveira (Oporto, Portugal), ProjecteSD (Barcelona), Salvador Díaz (Madrid), Stefan Röpke (Madrid and Cologne, Germany), T20 (Murcia), Tomás March (Valencia), Toni Tápies (Barcelona), Visor (Valencia) and Vu’ La Galerie (Paris, France).

In this 4th year, 13 galleries will moreover attend the San Sebastian International Contemporary Photography and Video Fair for the first time: Akinci (Amsterdam, the Netherlands), Bacelos (Pontevedra), Carlos Carvalho (Lisbon, Portugal), Cubo Azul (León), Fidel Balaguer (Barcelona), Grita Insam (Vienna, Austria), Layr Wuestenhagen (Vienna, Austria), L.A. Lothar (Frankfurt, Germany), Oliva Arauna (Madrid), Pradilla (Madrid), Rubicon (Dublin, Ireland), Soskine (New York, the USA) and The Project (New York, the USA).

After the success and positive feedback of previous fairs, DFOTO will once again incorporate a photography bookshop, which will be run this year by Railowski, a forerunner among bookshops specialized in photography in Spain, and among the most prestigious in Europe.

A complete collector's programme will be carried out to attract dealers and convert Donostia-San Sebasián into a benchmark in the world of image by promoting and generating a favourable atmosphere for private, institutional and corporate collecting.

©Taiji Matsue

©Taiji Matsue

J’ai passé deux journées à San Sebastian à l’occasion de la 4° Année de la foire DFOTO et ses 41 galeries.
Ma première impression est la taille humaine et agréable du lieu, ni trop grand, ni trop petit et qui n’accueillait pas la foule des grands soirs de Londres ou Paris. Au regret de certains galeristes d’ailleurs qui espéraient que ce week-end soit plus fréquenté.
Mes coups de cœur sont allés à des photographes moins connus mais aussi à des valeurs sûres déjà bien appréciées en Europe. Si le japonais, Taji Matsue appartient à la première catégorie, Isabel Munoz dont la Galerie VU est incontournable à DFOTO, Peter Granser et enfin Rafael Navarro restent des valeurs sûres de la scène européenne.

©Taiji Matsue

©Taiji Matsue

Taji Matsue présente la société japonaise avec des prises de vue réalisées à partir d’un hélicoptère. Sa qualité de travail argentique est remarquable et il dévoile avec un détail minutieux, la nature, les villes du Japon.
Il est représenté par la galerie L.A. Lothar Albrecht, basée à Frankfurt et Beijing.

Au-delà du travail d’Isabel Munoz c’est toute la Galerie VU qui présente des artistes remarquables et remarqués. De belle photos floues en noir et blanc de Laurence Blanc et Michael Ackerman à des prix très raisonnables de €3,000 à €4,000.

© Virxilio Vieitez

Et mon coup de coeur pour cette photo de Virxilio Vieitez, photo américaine des années du 20ème siècle, cette mère avec son enfant et leur chien pour un prix tout à fait accessible de €1,600.

Peter Granser
est présenté par la galerie Kamel Mennour avec sa série Coney Island.

© Peter Granser

Peter livre son regard sur la société avec un petit clin d’œil ironique et impertinent qui lui est propre mais toujours dans le plus grand respect de notre société, d’où il tire la grande pertinence pour ses photos.

Rafael Navarro propose ces belles images en mouvement en noir et blanc. Ses images sont connues mais toujours aussi agréables à parcourir.
Il est représenté par l’agence espagnole Bacelos.

Marie Taillefer, représentée par la galerie Clairefontaine, m’a séduite avec son travail poétique. Un travail d’impressions et de tâches de lumières dans un décor sombre.
Marie Taillefer fut lauréate du prix Nikon Jeunes Talents 2001.

© Araceli Sáez Pedrero | yourshot

Cette année aux Rencontres d'Arles la proposition artistique la plus authentique et la plus innovatrice vient de la Chine.

L’exposition collective «Dashanzi Art District», situé à l’Atelier mécanique de la SNCF, nous montre une vision très différente de celle qu’on trouve couramment du géant asiatique.

«Dashanzi Art District» est intégrée par quatre expositions complémentaires qui évoquent la production du quartier artistique de Dashanzig à Pékin, connu aussi comme «798 Factory».

Bérénice Angremy, commissaire du projet, nous explique: «le fil conducteur de ces expositions est celui d’un lieu géographique, mais surtout l’état d’esprit d’indépendance qui a marque de son empreinte les quatre premières années du district. Le parti pris est de présenter une production plastique qui témoigne des inquiétudes des artistes face aux changements urbains et sociaux de la Chine du XXIeme siècle».

L’exposition «Chai-na/China», regroupe le travail de 24 artistes, depuis Huang Yang à Miao Xiaochun ou Zhang Dali, autour de thème des profondes mutations urbaines auxquelles la ville de Pékin fait face.

En anglais le mot China se prononce exactement comme le terme « Chai-na » ce qui signifie en chinois «démolition-ici». L’artiste Huang Rui est à l'origine de ce jeu de mots entre le chinois et l’anglais.

«Chai-na/China» et «Liu Li Tun» (alors intitulée « Intimate Beijing ») ont été présentées au cours du festival «Dashanzig International Arts Festival» (DIAF) 2006 à Pékin. Les deux expositions solos de Huang Rui et des frères Gao, considérés comme des «outsiders» dans le monde de l’art contemporain en Chine, explorent avec tendresse, ironie et humour les différents conflits sociales et politiques du pays.

Mais, comment est-il née cette collectivité d’artistes? Bérénice répond de la manière suivante: «le Dashanzi Art District à été crée en 2002 à l’initiative de quelques artistes visionnaires qui désiraient réaliser une plateforme de création et d’exposition ouverte au public, cette enclave située dans d’anciennes usines de style Bauhaus au nord-est de Pékin est apparue comme un phénomène sans précédent en Chine».

Bérénice Angremy et Huang Rui ont lancé en 2004 le premier DIAF. Ce festival international et pluridisciplinaire fait aujourd’hui partie des événements artistiques les plus importants de Pékin. Cependant, le premier DIAF a dû être lancé à toute urgence afin de sauver le quartier de Dashanzig de la démolition.

read more Beijing 2007

By MARGARET STUDER
Special to THE WALL STREET JOURNAL
September 14, 2007

Fairs have become increasingly important for collectors of contemporary art -- and not just as places to snap up interesting works by the current crop of trendy artists. They also offer an enormous choice under one (appropriately large) roof, a first-hand look at emerging trends and young artists, plus the buzz that comes with rubbing shoulders with art stars in fashionable places.

Five autumn fairs make up the grand slam of contemporary art collecting: Art Forum Berlin, London's Frieze, Paris' Fiac, Paris Photo and Art Basel Miami Beach. (Other major contemporary fairs held earlier in the year include Madrid's Arco in February, Art Cologne in April and Art Basel in June.) At these events you'll see the world's most important artists and galleries, and -- whether you're buying or not -- they offer the best overview of the contemporary market today.

So what to look for this season? Today's art is notable for its breadth, and there is strong interest in painting, sculpture, objects, drawings, video works, photography and installations. Expect attention to focus on previously neglected countries -- echoing the recent craze for Chinese contemporary art.

Specialists predict Latin America will be the next region to attract buyer interest. This has already been the case at the Venice Biennale. "Contemporary Chinese art is still the thing, but people are also looking for the new; and I predict that South American is next," says Frankfurt dealer Anita Beckers, who doesn't represent any South American artists but has been watching the scene with interest. Among the Latin American artists to watch this fall is Mexican Gabriel Orozco, whose works with photography, sculpture and installations will be at both Fiac and Frieze with Paris's Chantal Crousel Gallery. Jan A. Fischer, a Swiss collector, says Art Basel Miami Beach is one of the best places to see Latin American art.

Another trend: body art. One example is a renewed interest in Hannah Wilke (1940-1993), an American feminist and performance artist whose photos, videos and sculptures concentrated on the body, mostly her own. She will be shown at Frieze by the Alison Jacques Gallery. "Her body was her sculpture," Ms. Jacques says of Ms. Wilke (prices for the works run between $15,000 and $1 million). At Art Forum Berlin, spokeswoman Anne Maier says there will be numerous galleries showing body art by other artists, such as Israeli artist Sigalit Landau, whose video subjects include a nude on the beach playing with a hula hoop and a nude standing on a watermelon in the Dead Sea.

Here, a look at the big fall fairs -- but big is not the only way to go. Turn the page for a look at smaller art fairs notable for their quality and perspective. You'll also find tips on how to navigate fairs and their many satellite events.

Art Forum Berlin
Sept. 29-Oct. 3

The scene:
The fair, in modern, bright halls, reflects the vibrancy of Berlin's young art scene. The city is still an inexpensive place to live and work compared with other art centers, and so attracts up-and-coming artists and galleries. This makes for a "dynamic, growing art world," says Claudia Jollis, editor of the Kunstbulletin, a Swiss art publication.

Who goes?
Each year the numbers increase, last year to 41,000 from 37,000 in 2005. Many of them are young people wheeling prams. The fair has a reputation as a place to discover emerging artists.

Who shows?
Of the 136 galleries, more than half are from Germany. Berlin gallery Arndt & Partner is one of many playing to the younger crowd, says director Julie Burchardi. It will show Anton Henning, a popular German artist whose small, sculptural paintings can still be had for around €20,000.

Frankfurt's Galerie Beckers will show works by Yves Netzhammer, a computer-trick artist, who represents Switzerland at the Venice Biennale this year (€5,000-€25,000) and German film and video artist Byorn Melhus, who humorously replays roles taken from old films such as "Bambi" (€10,000-€35,000).

Hot tip: German new realism remains the trend to watch. Berlin's Galerie Crone, for example, is showing the threatening sunny-boy paintings of Norbert Bisky (€60,000).

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Frieze Art Fair
Oct. 11-14

The scene:
Frieze, held in a huge white tent in London's Regent's Park, generates the most hype of any European art fair. Now in its fifth year, the fair attracts the trendiest galleries and most celebrated contemporary artists from around the world. It also draws a relentlessly glamorous public, who come as much to see and be seen by each other as they do to check out the art.

Frieze captures the essence of today's media savvy, self-promotional art world, which at its best is surprising, powerful and witty -- and at its worst makes you remember that art is also about money, celebrity and consumerism. The fair now attracts so many top collectors that the international auction houses piggyback benchmark contemporary sales on it.

Who goes?
The holiday atmosphere drew 63,000 visitors last year; more are expected this year.

Who shows?
The 150 galleries from 25 countries will show 1,000 works in all media. London's Juda gallery will bring the monumental wood sculptures of U.K. artist David Nash, the modular constructions of American artist Sarah Oppenheimer and early works by Bulgarian-born U.S. artist Christo, the master of packaging. Hauser & Wirth of Zurich and London will be bringing a work by Canadian concept artist Rodney Graham: a photo of an upside-down tree, "Locarno Beach Tree, Winter 2007."

Hot tip: Frieze commissions projects especially for the fair. These can be a lot of fun; last year there was a grass slope in the middle of the fair that kids could roll down. This year look for an installation by American artist Richard Prince, who will put cars on a pedestal -- literally -- to reflect America's love affair with the automobile.

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Paris Is Burning

Fiac
Oct. 18-22

The scene:
Held in two stunning locations -- the superb Belle Epoque Grand Palais and the Louvre's Cour Carrée (along with sculptures in the Tuileries Garden that make for a lovely stroll between them). Its 179 galleries show modern and contemporary art and design. Since moving to its present sites in 2006, the fair has been rejuvenated and given a more international focus. The result, says Paris art critic Jens Senewald, is that "Fiac has become a motor of a dynamic, new art scene."

Who goes?
Last year 88,000 visitors, up from 83,000 the previous year, making Fiac the most visited of the big fall fairs.

Who shows?
London-based FA Projects will show Japanese photo artist Izima Kaoru, whose works express a connection between fashion and nature (around €16,000); and sculptures made by U.K. artist James Ireland, who links minimalist forms with natural phenomena such as the branch of a tree (£4,000-£8,000).

Among other artists Galerie Chantal Crousel will show at Fiac are young Albanian Anri Sala, who works with photography and film to explore social and political issues (€15,000-€65,000), and Swiss Thomas Hirshhorn, whose installations out of foil, cardboard, plastic, packing tape and objects make political statements (€100,000-€300,000).

Hot tip:
A group to watch is the collective Claire Fontaine, founded in 2004, which works in neon, video, sculpture, painting and text creating conceptual art that often looks like other people's work (€5,000-€35,000).

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Top Pics

Paris Photo
Nov. 15-18

The scene:
Connoisseurship is the emphasis at this fair, now in its 11th year. Art mavens from around the world come to three contemporary rooms in the Carrousel du Louvre to see a range of photographs, from the 19th century to the very latest in contemporary works. "This is the top annual event by far in the world of photography because of the quality of the works, the major collectors, curators and artists who attend," says London dealer Michael Hoppen.

Who shows?
This year the spotlight is on Italy, with 16 galleries from there and an exhibition showing the UniCredit Collection with works by leading Italian photographers from the 1970s, '80s and '90s.

Among the artists Mr. Hoppen's gallery will bring are the U.K.'s Ari Ashley, whose black and white photos with playful images of British life are taking off (£1,000); and Dutch artist Scarlett Hooft, who makes surrealist images often combining photography, performance and sculpture (£4,000).

Hot tip:
Mr. Hoppen says Japanese photography will be the next trend, following the run on German and Chinese photography. He will bring highlights from an exhibition of Japanese artists, "Eyes of an Island," now showing at his London gallery. Prices for pieces by Nobuyoshi Araki, best known for his sensual bondage photos, start at £2,700; and photos by Shomei Tomatsu, most famous for his post-Hiroshima images, sell for £15,000.

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Party Arty

Art Basel Miami Beach
Dec. 6-9

The scene:
The art world heads to Miami for this four-day jamboree in December -- and why not? This fair is big on art, big on money and big on partying -- plus the weather's fine. One of the fair's strong points is its emphasis on crossover events that link art with film, music, architecture and design. "Art Positions" is a beachfront village of shipping containers transformed into mobile art spaces where young galleries exhibit. The fair's vernissage is a glamorous event -- and there are more parties at museums and in private houses, at restaurants and hotels.

Who goes?
The main contingent is from North and South America.

Who shows?
Some 200 galleries, including New York's Acquavella and Gagosian, London's Sadie Coles, Berlin's Eigen + Art and Zurich/London's Hauser & Wirth.

Hot tip:
Some of the most interesting art will be featured outside the fair, especially in the Wynwood district. Promising side trips include: a site-specific project by Mexican performance artist Carlos Amorales and the colorful, dreamy videos of Switzerland's Pipilotti Rist at the Miami Art Museum (MAM); the first major U.S. museum show of Cuban-born sculptor Jorge Pardo -- who makes objects that recall the everyday in chairs, lamps or books -- at the Museum of Contemporary Art, North Miami (MOCA); and at the much-watched private Margulies Collection at the Warehouse in the Wynwood district, "Sculpture: 1940 through the Present."

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LE MONDE
| 05.12.07 | 16h11 • Mis à jour le 05.12.07 | 16h11
BAMAKO ENVOYÉE SPÉCIALE

© Sammy Baloji

Bamako, fin novembre, le petit studio du célèbre portraitiste Malick Sidibé désemplit pas. Pendant les Rencontres africaines de la photographie, principal festival de photo en Afrique, Européens et Américains font la queue pour poser pour le maître. Ce matin, le photographe, 71 ans, se fait attendre. Mais le voilà qui arrive, souriant, une valisette sous le bras. Il en sort une statuette étincelante, qu'il installe sur une table bien en vue : son Lion d'or, remporté à Venise.

En 2007, Malick Sidibé est la star de ces 7es Rencontres africaines, pilotées par le commissaire d'origine camerounaise, Simon Njami. Pendant un mois, la ville accueille en différents lieux une cinquantaine de photographes et une dizaine de vidéastes d'Afrique et de la diaspora. Au Musée national, l'exposition principale donne de l'Afrique une vision colorée et picturale, rarement politique. Dans cette sélection inégale, les textes explicatifs se font rares. Les autoportraits drôles et grinçants de Samuel Fosso, de République centrafricaine, dominent l'ensemble. L'artiste revêt l'apparence de ses contemporains pour moquer leurs travers : de la femme moderne faussement "libérée" à ce chef "qui a vendu l'Afrique aux colons". Les photographes sud-africains, de Jodi Bieber à Lolo Veleko, démontrent aussi leur vitalité.

En quatorze ans d'existence, le festival financé par la France (via l'opérateur CulturesFrance) et par l'Union européenne (au total environ 850 000 euros) a contribué à révéler les deux stars maliennes de la photographie, Seydou Keita (1921-2001) et Malick Sidibé. Encore aujourd'hui, pour les Maliens sélectionnés, la biennale est synonyme de voyages, d'ouverture et de rencontres. Mamadou Konaté, sélectionné quatre fois à la biennale, récapitule : "J'ai été exposé en Finlande, à Barcelone... Surtout, le festival nous a appris à regarder les images." Le jeune Mohamed Camara se voyait plutôt un avenir dans le football. Il est aujourd'hui l'un des rares photographes bamakois à vivre de son art. Le festival ne suscite pourtant pas l'enthousiasme du public. Les musées sont peu fréquentés, sauf par quelques élites et les expatriés. Quant à la photo, à part celle pratiquée dans les studios en ville, elle n'est pas très populaire. "La plupart des Maliens ne voient pas la photo comme un art", explique Mohamed Camara.

DES "PORTRAITS DÉCALÉS"

Pour élargir son audience, le festival a misé sur un nouveau lieu, immense et décalé, le Hangar. Cet ancien entrepôt de matériel agricole abrite le projet d'une association de femmes maliennes, Cultur'elles : des expositions en marge de la sélection officielle et une grande fête en l'honneur de Malick Sidibé. La France aimerait pérenniser le lieu. "L'endroit est intéressant car il est convivial, note Mantchini Traoré, présidente de l'association. Mais on a surtout besoin d'initiatives en direction du public. S'il ne se déplace pas, il faut aller à lui."

Plusieurs photographes regrettent les expositions dans la rue qui ne sont plus à l'ordre du jour. Seuls l'association Tendance floue et le Cinéma numérique ambulant (CNA) plongent au coeur des quartiers en proposant des "portraits décalés". Les passants se font tirer le portrait devant un fond numérique qui va des taxis new-yorkais à la galerie des Glaces de Versailles. Le résultat, très exotique, est projeté sur écran, et provoque l'hilarité générale.

A Bamako, quand la biennale ferme ses portes, les photographes se sentent seuls, sans lieu pour exposer. La seule galerie photo de Bamako périclite et la Maison africaine de la photographie, créée en 2006, n'a pas encore de siège. Pour survivre, les artistes doivent couvrir les mariages ou les baptêmes.

Depuis 1998, un centre de formation à la photographie tente de promouvoir cette profession, à coups de stages et de résidences. Douze étudiants y passent chaque année, mais les financements se font rares. Le directeur, le photographe Youssouf Sogodogo, forme ses élèves au tirage numérique et au travail de laboratoire. En espérant qu'un jour les tirages de la biennale soient réalisés à Bamako et non plus en Europe.

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